Un poco de humor "literario"...

Lo que tiene que ser, será.....

Escultura Policromada: su nada sencillo proceso de elaboración

DOLOR - Poema de Alfonsina Storni

Quisiera esta tarde divina de octubre
pasear por la orilla lejana del mar;
que la arena de oro, y las aguas verdes,
y los cielos puros me vieran pasar.

Ser alta, soberbia, perfecta, quisiera,
como una romana, para concordar
con las grandes olas, y las rocas muertas
y las anchas playas que ciñen el mar.

Con el paso lento, y los ojos fríos
y la boca muda, dejarme llevar;
ver cómo se rompen las olas azules
contra los granitos y no parpadear;
ver cómo las aves rapaces se comen
los peces pequeños y no despertar;
pensar que pudieran las frágiles barcas
hundirse en las aguas y no suspirar;
ver que se adelanta, la garganta al aire,
el hombre más bello, no desear amar...

Perder la mirada, distraídamente,
perderla y que nunca la vuelva a encontrar:
y, figura erguida, entre cielo y playa,
sentirme el olvido perenne del mar.

Lee todo en: Dolor - Poemas de Alfonsina Storni http://www.poemas-del-alma.com/dolor.htm#ixzz3X1zlosHi

Curiosa escultura

El milagro pasmoso de Inhotim

Un empresario minero levanta en medio del Brasil interior uno de los museos al aire libre más grandes del planeta

Vista aérea del museo Inhotim. / ROSSANA MAGRI

Inhotim es varias cosas. Es uno de los mayores museos de arte contemporáneo al aire libre del mundo, con más de 80 esculturas diseminadas a lo largo de 140 hectáreas, entre montañas verde esmeralda en un rincón del estado de Minais Gerais, en el Brasil interior, a 70 kilómetros de la capital Belo Horizonte; es también un enorme jardín botánico, con viveros, ejemplares únicos y una colección de 800 tipos de palmeras diferentes. Pero sobre todo es el disparatado sueño hecho realidad de un hombre singular: Bernardo Paz, de 64 años, que no pasó del instituto pero que se convirtió en millonario a base de exportar hierro y acero. A los 45 años, ya con una buena colección de arte contemporáneo de su propiedad y harto de dar vueltas al planeta con un maletín de negociante, decidió convertir su casa de campo en un jardín tropical de cuento de hadas a fin de vivir rodeado para siempre de una cantidad ingente de belleza natural y artística.

En 2006 abrió las puertas de su edén al público, cobrando 40 reales (13 euros) la entrada, confiando en que todo algún día se vuelva sostenible. Aún no lo es. Así que el antiguo empresario que huía del estrés se ha vuelto a agobiar (y a pensar que una vida no le bastará) tratando de hacer rentable algo parecido al paraíso. Con todo, Inhotim, se ha convertido en el sorprendente catalizador económico de una comarca volcada en una minería que hoy cotiza a la baja. La inmensa mayoría del ejército de 1.000 personas que trabajan allí, entre jardineros, empleados de mantenimiento, obreros, camareros, guías y vigilantes proceden de la pequeña ciudad próxima de Brumadinho, de 35.000 habitantes, donde a Bernardo Paz todo el mundo conoce como simplemente como Don Bernardo.

Un árbol de 90 años, situado en la entrada de Inhotim. / ROSSANA MAGRI

El visitante llega, recorre un camino de adoquines entre bambuzales como muros de un fortín verde, cruza un puentecito sobre un arroyo y se encuentra un enorme claro en el que se ve al fondo un lago azul rodeado de una pradera limpísima y un majestuoso árbol del tamaño de una casa de cinco pisos y de 90 años de edad llamado tamboril cuyas ramas se extienden por el espacio en forma de manos abiertas. Más allá hay caminos empedrados que llevarán a uno por los rincones lejanos del parque-museo en busca de cualquiera de las de las obras de artistas como los estadounidensesMatthew Barney, Chirs Burden o la colombiana Doris Salcedo, entre otros muchos. En una colina hayuna piscina con forma de agenda telefónica gigante obra del argentino Jorge Macchi. Las escaleras son las letras ordenadas alfabéticamente. Es preciosa. Pero no está ahí sólo para contemplarla sino para zambullirse en ella. Cerca hay dónde cambiarse y dónde encontrar un traje de baño. Todo en este parque (o museo, o jardín, o bosque o lo que sea) invita a zambullirse en él, al puro disfrute. Hay salas de exposiciones rodeadas de hamacas para que el visitante se tumbe a contemplar las obras desde los cristales de fuera. Los números son los que son (22 galerías enteras, como min-museos diseminados, 300.000 visitantes al año,) pero no explican lo que se siente cuando, harto de andar, el visitante se tumba en un banco y deja pasar el resto de la tarde mirando cómo el sol dora una deliciosa escultura de bronce mientras una mariposa azul eléctrico del tamaño de un mini-ipad revolotea nerviosamente alrededor.

Bernardo Paz es el alma de todo esto, su inspirador y su motor económico. Es alto, de melena larga y blanca de antiguo hippie. Fuma compulsivamente y juguetea sin parar con las pajitas de plástico que extrae de los tetra-bricks de agua de coco que tiene delante de la mesa. Se ha casado seis veces. Tiene siete hijos. Seún la revista Forbes, atesora un patrimonio de más de 800 millones de euros. Y buena parte de él se le va en los más de 15 millones de euros de presupuesto de ese sueño suyo llamado Inhotim. “Es idea mía, pero siempre pensé que esto como en algo público, el único objeto de esto es que fuera público. Por eso, mi obsesión es que sea rentable, para que perviva siempre”, dice. También matiza que Inhotim es una gran obra social y menciona los planes educativos de los empleados que acaban, gracias a su ayuda, yendo a la universidad; o a los grupos de niños de escuelas públicas que visitan constantemente el museo al aire libre; o a su política de entradas gratuitas a los que menos tienen o a sus proyectos de botánica o de recuperación de la cultura local de aldeas cercanas pobladas por descendientes de esclavos. “Este sitio conjuga dos cosas necesarias para la vida: la emoción y la sensibilidad”, sentencia. Hace años la Fiscalía Brasileña le acusó de lavar dinero. Pero nada ha podido probarse. En 2014 recibió un prestigioso galardón cultural otorgado por el Gobierno brasileño. Aún es socio de industrias mineras, pero explica que con la bajada del precio del hierro por parte de China su imperio se resiente. Aún así, alberga más proyectos en principio disparatados pero que conociendo la trayectoria del personaje tal vez lleguen a ser realidad: edificar hoteles de todas las categorías que atraigan más visitantes, construir un auditorio y, por si fuera poco, levantar, alrededor del parque, una docena de ciudades de 10.000 personas que vivirán –según él y su filosofía algo sesentera- en armonía con la naturaleza y consigo mismos, trabajando a distancia sin necesidad de desplazarse. “El secreto es volver a la casa de nuestro tatarabuelo con la tecnología de nuestros nietos”, explica. Para terminar, rodeado de una cordillera de su propiedad, asegura: “Lo importante es ser y no tener”.

Después invita al interlocutor a que siga fatigándose  por las trochas del bosque-museo y a que pregunte a los guías jóvenes que lo explican todo sobre la galería que tienen a su cargo. Por uno de estos caminos que zigzaguea entre un preservado bosque original brasileño se llega a otra colina, esta coronada por una construcción circular acristalada. Parece un templo o la parte superior de un abstracto faro gigantesco. Dentro, hay un suelo de madera y un agujero circular que se hunde a más 200 metros bajo tierra. Nada más. Aparentemente. El artista americano Doug Aitiken instaló micrófonos ultrasensibles a lo largo del agujero, de modo que el visitante escucha ahí mismo el ruido que hacen las placas tectónicas de la tierra al frotarse. Suenan como un taladro lejano, como un ronroneo metálico ahogado. La instalación se denomina Sonic Pavillon. El guía de turno explica que allí, algo aturdidos al escuchar los ruidos digestivos del planeta y con la vista perdida en las lejanas montañas verdes, los visitantes se sientan a descansar en silencio del trajín del turista. Algunos, añade, rompen a rezar.

Fuente: culturaelpais.com

Juego de luz y movimiento. Vale la pena verlo

Para el sostén del espíritu, en momentos de flaqueza...

En un día particularmente triste...

Una pintora surrealista no tan conocida...

Leonora Carrington

 

The house opposite (1945)

Nacida en el pueblo de Chorley, en Lancashire (Inglaterra), el 6 de abril de 1917, fue una pintora surrealista y escritora.

De nacionalidad inglesa, posteriomente se nacionalizó mexicana.

 En el año 1936 ingresó en la Academia Ozenfant de arte, en la ciudad de Londres. 

Al año siguiente conoció a quien la introdujo indirectamente en el movimiento surrealista: el pintor alemán Max Ernst, a quien volvió a encontrar en un viaje a París y con quien no tardó en establecer una relación sentimental. 

Durante su estancia en esa ciudad entró en contacto con el movimiento surrealista y convivió con personajes notables del movimiento como Joan Miró y André Breton, así como con otros pintores que se reunían alrededor de la mesa del Café Les Deux Magots, como por ejemplo el pintor Pablo Picasso y Salvador Dalí.

En 1938 escribió una obra de cuentos titulada La casa del miedo y participó junto con Max Ernst en la Exposición Internacional de Surrealismo en París y Ámsterdam.

Previamente a la ocupación nazi de Francia, varios de los pintores del movimiento surrealista, incluida Leonora Carrington, se volvieron colaboradores activos del Kunstler Bund, movimiento subterráneo de intelectuales antifascistas.

Leonora Carrington tenía solo 20 años cuando conoció a Max Ernst en Londres. Entonces el pintor ya contaba con 47 años y con bastante fama como surrealista. La gran diferencia de edad, el hecho de que Ernst además estaba casado, así como sus posiciones surrealistas radicales hacían que esta relación no contara con la anuencia del padre de Leonora. A pesar de ello, la pareja se reencontró en París y pronto se fueron a vivir a la provincia, al poblado de Saint-Martin-d'Ardèche, en una casa de campo que adquirieron en 1938. Hasta hoy se conserva en la fachada de esta casa un relieve que representa a la pareja y su juego de roles: «Loplop», el alter ego de Max Ernst, un animal alado fabuloso entre pájaro y estrella de mar y su «Desposada del Viento»: Leonora Carrington.

La vida tranquila y feliz de la pareja en este sitio duró solo un año. En septiembre de 1939 Max Ernst fue declarado enemigo del régimen de Vichy. Tras la detención y prisión de Ernst en el campo de Les Milles, Leonora sufrió una desestabilización psíquica. 

Ante la inexorable invasión nazi, se vio obligada a huir a España. Por gestión de su padre fue internada en un hospital psiquiátrico de Santander. De este período la pintora guardó una marca indeleble, que afectó de manera decisiva su obra posterior. Leonora describió, en su obra autobiográfica (En bas) los pormenores de esta dramática historia.

En 1941 escapó del hospital y arribó a la ciudad de Lisboa, donde encontró refugio en la embajada de México. Allí conoció al escritor Renato Leduc, quien la ayudó a emigrar. Ese mismo año contrajó matrimonio y Leonora viajó a Nueva York. 

En 1942 emigró a México y en 1943 se divorció de Renato Leduc. 

En México, la pintora restableció lazos con varios de sus colegas y amigos surrealistas en el exilio, quienes también se encontraron en ese país, tales como André Breton, Benjamin Péret, Alice Rahon, Wolfgang Paalen y la pintora Remedios Varo, con quien mantuvo una amistad duradera.

Fue ganadora del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes, otorgado por el gobierno de México en el 2005.

Falleció a los 94 años en la Ciudad de México el 25 de mayo del 2011.

Les distractions deDagobert (1945)

 

La danza de los espectros

Fuente: Wikipedia

Todo es según el cristal con que se ve

Las tres rejas... (para hacernos pensar)

Las Tres Rejas

El joven discípulo de un filósofo sabio llegó a casa de este y le dijo:

—Maestro, un amigo suyo estuvo hablando mal de usted.

—¡Espera! —lo interrumpió el filósofo—, ¿ya hiciste pasar por las tres rejas lo que vas a contarme?

—¿Las tres rejas? — preguntó el discípulo.

—Sí. La primera es la reja de la verdad. ¿Estás seguro de que lo que quieres decirme es absolutamente cierto?

—No; lo oí comentar a unos vecinos.

—Entonces al menos lo habrás hecho pasar por la segunda reja, que es la bondad. Esto que deseas decirme, ¿es bueno para alguien?

—No, en realidad no. Al contrario...

— ¡Vaya! La última reja es la necesidad. ¿Es necesario hacerme saber eso que tanto te inquieta?

—A decir verdad, no.

—Entonces —dijo el sabio sonriendo—, si no es verdadero, ni bueno, ni necesario, sepultémoslo en el olvido.

El genial pintor Joaquín Sorolla

Sueños imposibles...

Un ejemplo de vida para imitar

Maravillas...

"Ya se sabe que el mundo nuestro abunda en horrores, pero también es cierto que si seguimos vivos es porque sabemos que no le faltan maravillas, y que muchas de ellas está en nosotros tratar de alcanzarlas(...)
Hay maravillas que uno recuerda y maravillas que uno anhela, hay maravillas que uno descubre como tales en el momento mismo en que le llegan (...)
Hay maravillas que pueden conseguirse todos los días(...)
Hay maravillas que no se pueden siempre (...)
Hay maravillas inolvidables (...)
Hay maravillas que nos estremecen (...)
Hay maravillas que nunca alcanzaremos, ilusiones, pero esas dice Bioy que no cabe ignorarlas. El puro anhelo de alcanzarlas es ya una maravilla.
Uno tiene maravillas secretas y maravillas públicas (...)
Hay maravillas escuchadas (...) Y maravillas que nunca he visto (...)
Hay maravillas que aún espero, y maravillas que no siempre valoro."

Angeles Mastretta en "El cielo de los leones"
Ilustración: Duy Huynh

ARTE MADÍ - MANIFIESTO

Definición de Manifiesto

Del latín MANIFESTUS, es un documento o escrito a través del cual se hace pública una declaración de propósitos o doctrinas. Los manifiestos suelen aparecer en el ámbito de la política o del ARTE 

Manifiesto en arte

A partir de las vanguardias, el manifiesto, dentro del arte, suele llamarse a una expresión reivindicatoria que simboliza la voluntad de estilo de un grupo de artistas o de un nuevo movimiento. Puede ser un escrito que se publica, como el MANIFIESTO FUTURISTA de Filippo Tommaso Marinetti (20 de febrero de 1909 Le Figaro), o el MANIFIESTO NEOPLASTICISTA de Piet Mondrian (1917 De Stijl), o el PRIMER MANIFIESTO de Tristan Tzara (1918), o el MANIFIESTO SURREALISTA de André Bretón (1924); o puede ser una obra de arte que se considera que simboliza y resume lo que ese movimiento propone, por ejemplo: le Dejuner sur l'herbe de Manet (1862) para el impresionismo o Les Demoiselles d'Avignon (1907) de Picasso para el cubismo

En Argentina surge el Arte MADÍ

Rhod Rothfuss: Carlos María Rothfuss nació en Montevideo en 1920. En 1938 ingresó en el Círculo de Bellas Artes y en los ´40 estudió en la Academia de Bellas Artes, en su ciudad natal. En 1944 integró el grupo editor de la revista “Arturo” donde se publicó su artículo: “El marco: un problema de la plástica actual”. En 1946 fundó el Movimiento Madí junto a Gyula Kosice y Arden Quin, entre otros. Con el grupo participó en la 1º,2º y 3º Expòsición Madí. Desde 1945 a 1950 se dedicó a la creación de esculturas abstractas con algunos componentes practicables y utilizó rombos y figuras geométricas irregulares en sus pinturas. Falleció el 31 de diciembre de 1969 en Uruguay.

Arden Quin: Nació en Rivera, Uruguay en 1913. Fue un gran artista plástico que se destacó en pinturas y esculturas. En 1932 tomó sus primeras clases de pintura en Livramento, Brasil. En noviembre de 1936 exhibió por primera vez sus formas planas de colores primarios en la Exposición colectivas de artes plásticas. En 1938 se instaló en Buenos Aires para estudiar filosofía y letras. En 1939 conoció a Rhod Rothfuss en el Círculo de Bellas Artes de Montevideo.

Gyula Kosice: Nació en 1924 en Checoslovaquia, y emigró a la Argentina a los 4 años. Fue uno de los iniciadores del arte abstracto no figurativo en América Latina. Utilizó por primera vez en el plano mundial el agua y el gas neón como parte de sus obras artísticas. A lo largo de su vida, ha realizado esculturas monumentales, recorridos hidroespaciales e hidromurales, entre otras cosas. En 2005 hizo de su taller un museo. Es el propulsor de las esculturas hidrocinéticas, que combinan 4 elementos: agua, aire, neón y acrílico. 
Una de sus invenciones más reconocidas y sorprendentes son las ciudades hidroespaciales. Esta idea surgió porque, según él, en el futuro el mundo estará superpoblado, y la humanidad se verá en la necesidad de habitar el espacio y el mar. Es así que gracias a la división de la molécula de agua (H2O), dichas ciudades quedarían suspendidas por el hidrógeno (H), y el oxígeno (O) permitiría la vida en ellas.

Manifiesto Madí  Se reconocerá por arte Madí la organización de elementos propios de cada arte en su continuo. En ello está contenida la presencia, la ordenación dinámica móvil, el desarrollo del tema propio, la ludicidad y pluralidad como valores absolutos, quedando por lo tanto abolida toda injerencia de los fenómenos de expresión, representación y significación. El dibujo Madí es una disposición de puntos y líneas sobre una superficie. La pintura Madí, color y bidimensionalidad. Marco recortado e irregular, superficie plana y superficie curva o cóncava. Planos articulados, con movimiento lineal, rotativo y de traslación. La escultura Madí, tridimensioanalidad, no color. Forma total y sólidos con ámbito, con movimiento de articulación, rotación, traslación, etc. La arquitectura Madí, ambiente y formas móviles, desplazables. La música Madí, inscripción de sonidos en la sección áurea. La poesía Madí, proposición inventada, conceptos e imágenes no traducibles por otro medio que no sea el lenguaje. Suceder conceptual puro. El teatro Madí, escenografía móvil, diálogo inventado. La novela y cuento Madí, personajes y acción sin lugar ni tiempo localizados o en lugar y tiempo totalmente inventados. La danza Madí, cuerpo y movimientos circunscriptos a un ambiente medido, sin música. En los países que alcanzaron la etapa culminante de su desarrollo industrial, el viejo estado de cosas del realismo burgués desaparecido casi totalmente, en ellos el naturalismo se bate en retirada y se defiende muy débilmente. Es entonces, cuando la abstracción, esencialmente expresiva, romántica, ocupa su lugar. En este orden están involucradas las escuelas de arte figurativo desde el cubismo hasta el surrealismo. Tales escuelas han respondido a necesidades ideológicas de la época y sus realizaciones son aportes inestimables a la solución de los problemas planteados a la cultura de nuestros días. No obstante ello, su tiempo histórico debe darse por pasado. Por otro lado su insistencia en el tema “exterior” a sus cualidades propias es un retroceso al servicio del naturalismo contra el verdadero espíritu constructivo que se extiende por todos los países y culturas, como es el caso del expresionismo, surrealismo, constructivismo, etc. Con lo concreto –que, en realidad, es un gajo más joven de ese espíritu abstraccionista– se inicia el gran período del Arte No Figurativo, donde el artista, sirviéndose del elemento y su respectivo continuo, crea la obra en toda su pureza, sin hibridaciones y objetos extraídos a su esencia. Pero en “lo concreto” hubo falta de universalidad y consecuencia de organización. Se cayó en hondas e insalvables contradicciones. Se conservaron los grandes vacíos y tabúes del arte antiguo, como ser en la pintura, escultura, poesía, etc., respectivamente la superposición, marco rectangular, atematismo plástico; lo estático, la interferencia entre volumen y ámbito; proposiciones e imágenes gnoseológicas y traducibles gráficamente. La consecuencia de ello fue que el arte concreto no pudo oponerse seriamente, por intermedio de una teoría orgánica y práctica disciplinaria, a los movimientos instruccionistas, que, como el surrealismo, han ganado para sí todo el universo. De ahí el triunfo a pesar de todas las condiciones en contrario, de los impulsos instintivos contra la reflexión, de la intuición contra la conciencia; de la revelación del subconsciente contra el análisis frío, el estudio y la detención rigurosa del creador ante las leyes del objeto a construir; del simbolismo, de lo hermético, de la magia contra la realidad; de la metafísica contra la experiencia. En cuanto a la teoría y conocimiento del arte, campea en ellos la descripción subjetiva, idealista, reaccionaria. Resumiendo, el arte antes de Madí: Un historicismo escolástico, idealista. Una concepción irracional. Una técnica académica. Una composición unilateral, estática, falsa. Una obra carente de verdadera esencialidad. Una conciencia paralizada por sus contradicciones sin solución; impermeabilizada a la renovación permanente de la técnica y del estilo. Contra todo ello se alza Madí, confirmando el deseo fijo, absorbente del hombre de inventar y construir objetos dentro de los valores absolutos de lo eterno, junto a la humanidad en su lucha por la construcción de una nueva sociedad sin clases, que libere la energía y domine el espacio y el tiempo en todos sus sentidos y la materia hasta sus últimas consecuencias. Sin descripciones fundamentales referentes a la totalidad de la organización no es posible construir el objeto ni hacerlo penetrar en el orden constante de la creación. Es así como el concepto invención queda definido en el campo de la técnica y el de creación como una esencia definida totalmente. Para el madismo, la invención es un “método” interno, superable, y la creación una totalidad incambiable. Madí, por lo tanto, INVENTA Y CREA. Buenos Aires, 1946

  

Natalicio de Vincent

Vincent Van Gogh nació un 30 de marzo de 1853 en los Países Bajos. Su vida no ha sido sencilla, legándonos en sus obras todo su ser.
"Sueño mis pinturas y luego pinto un sueño"

No te rindas...

"No te rindas que la vida es eso,

continuar el viaje, perseguir tus sueños,

destrabar el tiempo, correr los escombros

y destapar el cielo.(...)"

Mario Benedetti del poema "No te rindas"

Ilustración Marcelo Tomé 

La magia de los libros...

"Emerson dijo que una biblioteca es un gabinete mágico en el que hay muchos espíritus hechizados. Despiertan cuando los llamamos; mientras no abrimos un libro, ese libro literalmente, geométricamente, es un volumen, una cosa entre las cosas. Cuando lo abrimos, cuando el libro da con su lector, ocurre el hecho estético. Y aún para el mismo lector el mismo libro cambia, cabe agregar ya que cambiamos, ya que somos (para volver a mi cita predilecta) el río de Heráclito, quien dijo que el hombre de ayer no es el hombre de hoy y el de hoy no será el de mañana. Cambiamos incesantemente y es dable afirmar que cada lectura de un libro, que cada relectura, cada recuerdo de esa relectura renuevan el texto. También el texto es el cambiante río de Heráclito."
Jorge Luis Borges en Conferencia en el Teatro Coliseo de Bs.As., 1997.
Ilustración Oliver Jeffers del libro "El increíble niño comelibros", FCE.